Ravi Shankar, el Maestro

Ravi Shankar 

7 de Abril de 1920 - 11 de Diciembre de 2012

A los 92 años, murió Ravi Shankar, virtuoso y maestro del sitar, tutor de George Harrison en el instrumento, defensor de su cultura y de su pueblo. Ravi fue uno de los que ayudó a difundir la música hindú, enriqueciendo de esa manera la cultura occidental. Maestro de maestros, compuso incansablemente, y viajó con la música y a través de ella. Fue, sin dudas, uno de los grandes de la cultura universal. Fue, junto George, el promotor del Concierto para Bangla Desh (Bengala, donde había nacido), actuó en Woodstock e infinidad de conciertos que lo recibieron siempre con respeto y reconocimiento.

Allí va el Maestro a juntarse con su Alumno.

Rick Wakeman en Buenos Aires Noviembre 2012

Rick Wakeman vuelve a presentarse en Buenos Aires en este Noviembre en dos shows absolutamente imperdibles. Transcribimos aquí la información de prensa de estas excepcionales presentaciones.

Rick Wakeman se presentará el 29 y 30 de noviembre en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, con su banda, junto a una orquesta y coro.

El jueves 29 a las 20hs presentará un set con su banda y el disco completo Journey to the Center of the Earth, y el viernes 30, a las 21hs, otro set diferente con banda y el disco completo The Six Wives of Henry VIII.   

Llega nuevamente a nuestro país el legendario Rick Wakeman, ícono del rock progresivo y ex integrante de la banda Yes.

En esta oportunidad, el aclamado artista británico nos deleitará realizando un recorrido por dos de sus mejores obras, álbumes emblemáticos del rock progresivo: Journey to the Center of the Earth y The Six Wives of Henry VIII. La puesta en escena estará conformada por más de 50 músicos, entre los que se encontrarán prestigiosos intérpretes de Orquesta Sinfónica e integrantes de un coro de grandes voces.

En el marco de su visita a la ciudad de Buenos Aires, Rick Wakeman ofrece al público dos shows completamente distintos para que sus fanáticos tengan la oportunidad de recordar, junto con el artista, sus obras más emblemáticas. El día 29 abrirá la primera de sus presentaciones con la interpretación de un set de temas junto a su banda, integrada por Dave Colquhoun en guitarras, Ashley Holt en voz, Nick Beggs en bajo y Anthony Fernández en batería. Los fanáticos tendrán luego la oportunidad de deleitarse con un segundo set, en el que el teclado de Wakeman estará acompañado por una orquesta sinfónica y coro, y juntos recorrerán el disco completo Journey to the Centre of the Earth (“Viaje al Centro de la Tierra”). Durante el show del día 30, por otro lado, presentará un set diferente de  temas con la banda, y luego el set sinfónico y coral será esta vez un recorrido del disco completo The Six Wives of Henry VIII (“Las 6 esposas de Enrique VIII”).

Rick Wakeman, referente indiscutido del rock progresivo, nació en Londres en 1949 y su pasión por la música se hizo evidente ya durante su adolescencia. Estudió piano, clarinete, orquestación y música moderna. Entre los años 1969 y 1973 fue colaborador de artistas de la talla de David Bowie, Cat Stevens y Al Stewart. Participó también como músico de sesión en el álbum Dragonfly del grupo Strawbs, que abandonaría en 1971 para pasar a formar parte de Yes como tecladista. Su primer álbum con Yes fue Fragile, al que seguirían Close to the Edge, el doble Tales from Topographic Oceans y el triple en vivo Yessongs.

El debut de Rick Wakeman como solista se produjo mientras aún formaba parte de Yes, y fue precisamente con uno de los álbumes que nos trae en esta oportunidad a Buenos Aires, The Six Wives of Henry VIII. El disco se posicionó en lo más alto de los charts y catapultó la carrera del artista. Parte del material era interpretado en las giras de Yes, tal y como se aprecia en el álbum en vivo Yessongs.

El siguiente trabajo, y otro de los éxitos que forman parte de esta gira, fue Journey to the Centre of the Earth, aclamado disco conceptual basado en la novela de Julio Verne. El álbum vendió más de 14 millones de copias, convirtiéndose así en el disco más vendido en la historia del rock sinfónico.

A lo largo de su extensa carrera Wakeman tuvo el placer de realizar colaboraciones para artistas como John Williams, Brotherhood of Man, Elton John, Lou Reed, David Bowie, Cat Stevens y Brian May, entre otros.

La gira sudamericana contará con presentaciones del aclamado artista en otras plazas: Porto Alegre, San Pablo, Santiago de Chile, Rosario, aunque sólo en Buenos Aires tendrá lugar el evento histórico de Wakeman reviviendo estas dos emblemáticas obras junto con 50 músicos en escena.

Las entradas podrán adquirirse a través de www.ticketek.com.ar, Tel: 5237 7200, o en el Gran Rex, Corrientes 857, Capital Federal.

Siempre asombrosos Crosby Stills & Nash

Siempre es un placer verlos, 

escuchar la perfección y la potencia, 

compartir su manera de disfrutar la música y el escenario.

Inalterables a través del tiempo:

Todo concluye al fin...

El 29 de Agosto de 1966, en Candlestick Park, San Francisco, The Beatles dan su último concierto pago, ya que se llega a la decisión de no continuar con las giras. Agotados por los permanentes manoseos, la histeria colectiva, los ataques de la prensa (especialmente la norteamericana que en esta última gira había levantado declaraciones de John Lennon efectuadas seis meses atrás a una periodista del Evening Standar de Londres sobre la popularidad de The Beatles y la de Jesús), la imposibilidad de llevar su música adecuadamente al público debido al griterío de los fans y la precariedad de los equipos de la época, y seguramente exhaustos por el ritmo de trabajo que los llevaba a editar casi dos álbumes por año y al menos cuatro simples, cuando no filmar una película y hacer mínimamente dos giras, deciden poner punto final a la locura.

Seguramente no fue necesario siquiera tener una reunión al respecto. John, Paul George, Ringo y Brian Epstein lo sabían sin haberlo hablado. Algún tiempo atrás George había planteado firmemente su deseo de no seguir girando. John en aquel momento se mostró partidario pero sin vehemencia, Paul se opuso temiendo que el público los olvidara y a Ringo le daba igual. El único aterrado ante la idea fue Brian Epstein, que pensaba que sin giras su trabajo en el grupo no tenía razón de ser (el tiempo demostró que esta idea era absolutamente errónea). A pesar de haber seguido, esta gira por Estados Unidos fue más conflictiva que las anteriores debido a la controversia Beatles-Jesus. En muchos estados el Ku-klux-klan y las agrupaciones ultracatólicas organizaron fogatas con los discos de la banda, los amenazaron de muerte, y más de una vez en el escenario, ante la explosión de algún fuego de artificio, se miraban para ver si todos seguían en pie. Además muchas radios prohibieron la difusión de sus canciones y varios promotores cancelaron los shows. En este último show, particularmente, la capacidad del estadio era de 42.500 espectadores , pero sólo 22.000 compraron tickets, aún a pesar de lo ridículo del precio ( de u$s 4,50 a u$s 6.50) y la banda cobró por el show u$s 90.000.- Una serie de motivos que, de todas formas no fueron la excusa principal: The Beatles ya no eran el grupo que había comenzado cuatro o cinco años atrás; había evolucionado y la complejidad de sus composiciones ya no podía llevarse a cabo en vivo (al menos, no con la tecnología de la época). Estaban madurando como músicos; Rubber Soul ya estaba en la calle y en abril de ese año habían comenzado las sesiones de grabación de Revolver con "Tomorrow Never Knows" (todo un símbolo); ambos discos significaron un enorme paso adelante en su carrera. Al dejar de girar, una puerta aún más amplia se abría, y muy pocos imaginaron lo que había detrás. En noviembre de 1966, ya con Revolver editado, el grupo (aún contra los rumores de disolución y los pronósticos que los sindicaban como terminados musicalmente) se mete de lleno en los estudios de Abbey Road para comenzar con el trabajo que concluiría en Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band.

Candlestick Park fue el último concierto de The Beatles, pero fue el primer paso hacia un cambio gigantesco, no sólo en la historia de la banda, sino en la música del siglo XX. Un nuevo concepto vendría de su mano y generaría una renovación impensada un año atrás. La música dejaba de ser para los jóvenes un mero entretenimiento. Pasaba a ser un genuino medio de expresión, un grito de libertad, un reclamo de participación. Candlestick Park, sin ninguna duda, no fue el final.

Jon Lord 1941 - 2012 Se ha ido el sonido Purple en las teclas

Una vez más, este año una dolorosa noticia nos conmueve: ha fallecido Jon Lord, tecladista y miembro fundador de Deep Purple.

Un talento más allá de toda discusión, un hombre de perfil bajo y horizontes altos. Una buena persona reconocida por sus pares y compañeros de ruta.

Se lo va a extrañar y su música nos acompañará siempre. Sus hipnóticos fraseos y su enorme cabeza musical serán siempre una referencia ineludible a la hora de hablar de rock.

50 años de Rolling Stones

El 12 de Julio de 1962, en el Marquee Club de Londres, ubicado en el 165 de Oxford Street se presentan por primera vez con ese nombre The Rolling Stones: La formación de esa noche no era la que más tarde se conocería mundialmente; los seis de aquella noche eran Brian Jones (guitarra), Mick Jagger (voz), Keith Richards (guitarra), Ian Stewart (piano), Tony Chapman (batería), y Dick Taylor en bajo. Luego vendrían Charlie Watts y Bill Wyman a reemplazar a Chapman y Taylor y Ian Stewart se convertiría en el teclado en las sombras. Pero aquella fue la noche en la que la maquinaria Stone comenzó a rodar. Medio siglo de música con un marcado comienzo blues que derivó en un estilo que infinidad de bandas intentaron imitar. Pero la lengua original es única.

Elvis Presley - That's alright mama

El 12 de Julio de 1954, un chico de 19 años firma su contrato de grabación con el sello Sun Records, manejado por el mítico Sam Phillips. Phillips primero pensó que podía usar a este chico para grabar demos destinados a que los cantaran otros artistas, pero pronto se dio cuenta de que el chico tal vez fuera el puente para unir la brecha que entonces existía entre músicos blancos y negros. El chico se llamaba Elvis Presley y ese mismo día presentó su renuncia al trabajo que tenía en Crown Electric Company. Los dos tuvieron razón.

Pete Townshend, no sólo rock'n'roll.

El 19 de Mayo de 1945, en Londres, Inglaterra, nace Pete Townshend, uno de los verdaderos íconos del rock. Compositor lúcido y talentoso, capaz de la sutileza exquisita o de la potencia arrolladora, de guitarra explosiva o intimista, Pete ha llevado adelante (y cargado sobre sus espaldas) durante más de cuarenta años la leyenda de The Who. Hitos como "My Generation", "I Can't Explain" o "Baba O'Riley" en cuanto a canciones, u obras como "Tommy" o "Quadrophenia" lo ubican entre los más grandes de la música contemporánea. Contestatario, polémico en ocasiones pero siempre coherente en su carrera, supo mantener viva la llama y el espíritu del rock tanto con su música como con sus letras, y ha dejado una de las más perfectas y redondas definiciones del género al decir: "Si grita pidiendo verdad en lugar de auxilio, si se compromete con un coraje que no está seguro de poseer, si se pone de pie para señalar algo que está mal pero no pide sangre para remediarlo, entonces es es rock'n'roll". Say no more.

Crosby Stills & Nash en Argentina: la vigencia de una leyenda

6 de Mayo de 2012, 21:06. El Luna Park baja sus luces y el escenario se tiñe de una tenue luz azul. Desde el lateral derecho se adivina la salida de tres figuras que avanzan con calma hacia el centro de la escena. Cuando las luces de los reflectores se posan sobre las figuras termina de crecer el aplauso que había nacido segundos antes de oscurecerse el ambiente. Nos emociona a todos, incluso a ellos: Crosby, Stills & Nash agradeciendo con sus gestos ese reconocimiento que aquí estábamos conteniendo desde hacía muchos años, demasiados.

Y comienza el show, casi sin preámbulos y como un latigazo inesperado, porque nos damos cuenta que los que suena es "Carry On", una absoluta declaración de principios, si se quiere, por parte de estos guerreros del escenario, ya que aunque pueda argumentarse que no es su género (si bien es evidente que abrevaron allí) Stephen Stills declama: "para cantar blues tenés que haberlos vivido" y el conjunto suena compacto, ajustado y vibrante, transfiriendo a la audiencia el disfrute que se nota todos sienten sobre el escenario. Y es el delirio, la emoción desatada que, como debe ser, baja desde los músicos al público: ellos controlan el pulso, marcan el ritmo de un espectáculo que se extenderá por dos horas y media (con un breve intervalo de 15 minutos) y que abarca todos los matices (que no son pocos) que CS&N son capaces de abarcar: desde lo intimista con una guitarra acústica y dos voces, hasta momentos de puro rock sostenidos por una estupenda banda.

Una recorrida necesariamente incompleta por sus más de cuarenta años de (intermitente) carrera, pasando por los clásicos de todas las épocas (Dejà Vu, Marrakesh Express, Southern Cross, Our House, Wooden Ships, Guinnivere, por nombrar algunos), visitando sus carreras solistas (Stills con As I Come of Age, por ejemplo) y algún cover (Girl from the North Country de Bob Dylan), canciones no tan clásicas como Jesus of Rio, In your Name (dando el tono antibelicista que la banda privilegia en sus mensajes), y un par de temas de Buffalo Springfield con el infaltable For What it Worth.

Muchos momentos destacados, pero imposible no nombrar la fuerza de Crosby en Almost Cut My Hair (acompañada de un electrizante trabajo de guitarra de Stills), Cathedral y la solidez interpretativa de Nash o Stills llevando adelante Love The One You're With a puro oficio y corazón.

Resulta asombroso presenciar como el grupo desgaja naturalmente sus individualidades con la misma simpleza con la que aúna fuerzas para desarrollar un rock sólido y potente a caballo de la sanguínea guitarra de Stills (ya va siendo tiempo de que se lo reconozca como a uno de los grandes del instrumento) en amalgama perfecta con las armonías de Crosby y Nash. Sus voces pueden extasiar con la dulzura y calidez de Lay Me Down o Guinnivere y explotar con fuerza en Almost Cut My Hair o Dejà Vu, mientras que Stills aporta su tono crudo y visceral en temas como Southern Cross o For What it Worth.

Mención importantísima para la banda que acompaña a los tres gigantes: Todd Caldwell en órgano, Steve Distanislao (el mismo que acompaña a David Gilmour) en batería, Shane Fontayne (Bruce Springteen, Sting) en guitarra, Kevin McCormick (Jackson Browne) en bajo, y James Raymond (hijo de David Crosby) en teclado. Todos cumplen un trabajo preciso, efectivo e incluso aportan coros (como si hiciese falta).

A lo largo del show, Nash comanda y digita las teclas para que todo encaje y funcione sin dejar de transmitir alegría desde el escenario, cantando como si hubiera empezado ayer y colocando armonías que arrancan lágrimas, Stills es sangre pura sacudiéndonos cada vez que sus manos bailan sobre su guitarra, o bien en el aire, en un gesto que parece decir "too much", y Crosby directamente conmueve con su voz calma y expresiva, para estremecernos de pronto con una potencia que uno no alcanza a comprender de dónde sale.

Agradecidos y aún enteros, dejaron un par de canciones para el obligado bis, cerrando una noche maravillosa con el tema insignia (aunque muchos puedan serlo), aquel que abría su primer álbum, Suite Judy Blue Eyes, en donde Stills demuestra que además de la eléctrica, sus dedos hacen amistad perfecta con las cuerdas de la acústica (enhebrando incluso unas notas de "Whihin You Whithout You" de The Beatles) antes de empujarnos a todos a corear de pie el estribillo final. Nash disfrutando a pleno, Crosby marcando los tonos altos o bajos para que el público supiera si subir o bajar en la escala, un final acorde a lo que pasó durante todo un concierto memorable en el que la generación Woodstock izó bien arriba sus banderas, pero dejando en claro una idea que sentenció Graham Nash: "Hemos compuesto mucha música a lo largo de nuestras vidas, pero no la suficiente". Ojalá así sea, ojalá continúen asombrándonos con su producción, su talento y su entrega. Y ojalá sea posible volver a verlos pronto. Entre tanto, este quedará entre los mejores shows que hemos visto.

(Fotografías Copyright La Salamandra)

El Flaco, eterna estrella

Hace dos meses moría el Flaco Spinetta. Su magia, su coherencia, su talento, alentaron nuestra vida. Su ausencia, como diría Jorge Luis Borges, nos rodea.

Unos días después de aquél 8 de Febrero, otro gran músico argentino, Pedro Aznar, se presentaba en un concierto y cantaba recordándolo un tema precioso del Flaco : Ella también.

Mientras lo hizo, el público asombrado veía una imagen sorprendente en el cielo, algo increíble que conmocionó a todos.

Sucede en el minuto 1:24. La gente aplaude. Nuestro corazón agradece. No se lo pierdan.

Roger Waters en Buenos Aires

...all and all we're just another brick in the wall.."

Zildjian Day 2011 - Steve Gadd

Hace unos meses atrás, como todos los años tuvo lugar en Buenos Aires el Zildjian Day; fue el 20 de Octubre de 2011 en el Teatro Astral y contó con la presencia de los bateristas argentinos Martín Carrizo y Sebastián Peyceré, y como representante internacional, nada menos que a Steve Gadd. Gadd acababa de presentarse junto a Eric Clapton en el estadio de River Plate, y afortunadamente pudo acomodar las fechas para formar parte del evento. Simpatía, talento y la mejor onda para responder preguntas del público hicieron de la presentación de este grande de la batería un momento memorable.

Si bien ha pasado un tiempo de este show, nos parece oportuno recordar cómo se presentaba ante el público de Buenos Aires, este grande de la batería.

Kurt Cobain, el último grito del rock

El 20 de Febrero de 1967 en Aberdeeen, Washington, nace Kurt Cobain guitarrista, cantante y compositor de Nirvana, uno de los grupos que recogiendo el vago y difuso legado de la generación punk, llevó al rock a un nuevo lugar a través del camino del grunge, señalando una nueva dirección que en los años 90 parecía perdida. Desde Seattle hizo que Nirvana fuese una nueva esperanza, pero su inconformismo nunca lo dejó en paz y siempre se sintió incómodo y frustrado con todo lo que el suceso de su banda traía aparejado. Sus letras se volvieron corrosivas, desesperanzadas, reflejo de su propia angustia. Las melodías fueron el marco ideal aportando un clima de ahogo y opresión que fue tomado como bandera por muchos de sus seguidores. Su vida fue rápida, coherente, prolífica y trágica. Kurt se suicidó el 5 de Abril de 1994. Tenía 27 años, la edad maldita del rock.

Luis Alberto Spinetta (1950 - Eternamente)

SOLO SILENCIO

SIEMPRE ESTARÁS AQUÍ, FLACO

Max Yasgur, el granjero del rock

El 8 de Febero de 1973, a los 53 años, moría Max Yasgur. Este granjero de la zona de Bethel, estado de New York, tal vez no llame la atención con la sola mención de su nombre, pero en realidad fue parte de uno de los hitos en la historia de la música ya que fue el dueño de la granja en la que se llevó adelante, en Agosto de 1969, el Festival de Woodstock. Seguramente fue odiado por sus vecinos por haber permitido que en sus tierras de realizara el evento, pero sin dudas pasó a la historia por ese gesto. Después del festival, recibió numerosas demandas (además de los enormes daños que quedaron en su propiedad) y faltando poco para cumplirse un año de la realización, recibió u$s 50.000.- en concepto de alquiler.

Yasgur había nacido el 15 de Diciembre de 1919 y su muerte se produjo por un ataque al corazón. Su mujer, Mimi, dijo :" Max no obtuvo ningun beneficio del Festival, pero amplió su experiencia de vida gracias al contacto con toda esa gente".

A todas luces Max no fue un rockero, pero merece un lugar de honor en la historia del rock.

Etta James, una Dama del Blues (1938- 2012)

Hacía un tiempo se habían conocido noticias preocupantes sobre su salud. Luego, una escueta noticia anunciaba que había sido dada de alta después de ser tratada por una leucemia, y una pequeña esperanza se abrió entre los amantes del blues. Pero lamentablemente, este 20 de Enero, la prodigiosa voz de Etta James dejó de sonar. Había nacido el 25 de Enero de 1938 en Los Angeles, y su nombre real era Jamesetta Hawkins. De muy pequeña era una sorprendente cantante de gospel, cantando en el coro de su iglesia y llegando a la radio a la edad de cinco años. Cuando cumplió doce se mudó a San Francisco, formó un trío y pronto comenzó a trabajar con Johnny Otis.

En 1954 vuelve a Los Angeles y graba "The Wallflower" (título orginal de "Roll with me Henry"). Ese también fue el año en el que adopta su nombre artístico (una adaptación de su nombre real) y su grupo vocal recibe el nombre de "The Peaches" (Duraznos) porque ese era el sobrenombre de Etta. Muy poco tiempo después (1955) lanza su carrera solista con "Good Rockin' Daddy".

Después de firmar con el sello Chess records, de Chicago, en 1960, su carrera tomó un enorme impulso y sus canciones comenzaron a liderar los charts, y en muchos casos grabó dúos con su novio de entonces, Harvey Fuqua, con hits como " All I could do was cry", "At last" y "Trust in me" y aunque su voz era imbatible en las baladas, no se quedó con eso y supo cómo interpretar temas más potentes como "Something's got a hold on me" o "The Basement".

Etta siguió trabajando con Chess a través de los 60's y 70's, pero sus problemas de adicción a la heroína afectaron tanto su trabajo como su vida personal. Así es que siguió recibiendo excelentes críticas tanto de la prensa como de su público, y su álbum "Etta James" de 1973 tuvo una nominación al los premios Grammy. Al terminar su contrato con Chess, firmó con Warner y los álbumes "Deep in the night" y "Seven year itch" fueron literlamente aclamados.

Ingresó al Rock'n'roll Hall of Fame en 1993. Etta continuó grabando con continuidad durante los 90's, y más aún, llegando en 2003 al tope del chart de jazz de Billboard con Blue Gardenia.

Tuvo que someterse a un by-pass gástrico para perder peso y eso afectó dramáticamente su voz, aunque no perdió el inmenso sentimiento que transmitía, y por supuesto, un caudal tan enorme como el suyo, mantuvo potencia a pesar de los inconvenientes.

Ese mismo año editó el álbum "Let's Roll", ganador del Grammy al Mejor Disco de Blues Contemporáneo, ganando el Grammys 2004 al Mejor Disco de Blues Tradicional por "Blues to the Bone".

Al llegar a sus 70 años, a pesar de seguir trabajando, su salud comenzó a evidenciar problemas y fue para ella un lucha constante. Hospitalizada en 2010 por una infección en la sangre, trascendieron noticias de que Etta era además tratada por leucemia y demencia, pero incluso así, su tenaz temperamento la llevó a editar en Noviembre de 2011 sú último álbum de estudio, "The Dreamer" que recibió cálidos elogios. Poco tiempo después, se anunció lo terminal de su enfermedad.

Etta dijo alguna vez: "Mi madre siempre me decía que aunque una canción se haya versionado miles de veces, siempre se puede agregar algo personal en ella. Y a mí me gusta pensar que yo lo hice". Sin dudas Etta lo hizo, y maravillosamente. Se fue una de las grandes Damas del Blues. Su voz será inolvidable.