John Lee Hooker: Mr. Lucky

John Lee Hooker fue uno de los más altos exponentes de la herencia del blues rural del Mississippi. Un ritmo hipnótico y un estilo de guitarra simple y crudo fueron sus principales características, junto a una voz áspera y una mínima intervención en cada tema. Fue una gran influencia para los músicos de rock de los 50’s y 60’s. Como Muddy Waters, Howlin Wolf y otras voces del blues, huyó de la miseria del sur estadounidense, trasladándose al norte del país para llegar a Detroit durante la Segunda Guerra Mundial. Trabajó en la industria del automóvil, y ganaba algún dinero extra cantando en antros junto a otros sureños que sufrían la pobreza y la mitigaban con alcohol. Eran gente dura y difícil, lo que obligó a Hooker a tomar la guitarra eléctrica, pero esto en realidad le encantó ya que el instrumento multiplicaba su sonido y de esa manera llegaba a una mayor audiencia y se hacía escuchar. Su blues es poco ortodoxo e imprevisible, con una guitarra que marca secamente su voz profunda y primitiva. Por todo esto John Lee Hooker resultaba un artista totalmente integrable a diferentes públicos y situaciones. A partir de 1948, grabó como solista aunque prefería tener como respaldo grupos pequeños. Cuando la elección del público negro cambió, John Lee Hooker encontró un mercado entre los blancos amantes del folk. Después de un relativo silencio, regresó a la escena musical con discos como The Healer, 1990; Mr. Lucky, 1991; Boom, boom, 1992 que tuvieron el recibimiento que un artista como él se merece. En 1990 compuso la banda sonora para la película The Hot Spot, de Dennis Hopper. El álbum The Healer fue una especie de relanzamiento de su carrera, el prototipo de los discos de leyendas, todos querían estar al lado de Hooker: Miles Davis, Pete Townshend o Branford Marsalis. Lo mismo sucedió con Mr. Lucky, en el que lo acompañan los más famosos héroes de la guitarra. Elegía su atuendo de patriarca: traje negro, camisa de color vivo, tiradores, medias con estrellas, sombrero.

Una de sus declaraciones lo pinta de cuerpo entero: "Soy John Lee Hooker; cuando me hicieron, rompieron el molde".
Poco tiempo antes de morir, en su último concierto, tuvo a la audiencia fascinada. Le gustaba el contacto con la gente y, a pesar de su avanzada edad, no dejó de actuar hasta el final. Canciones como "I'm in the mood", de 1951 y "Boom Boom", de 1962, fueron hitos en la historia del blues en la segunda mitad del siglo XX. Había nacido el 22 de Agosto de 1917 en el Delta del Mississippi y murió el 21 de Junio de 2001.
Mr. Lucky, como solía llamarse, fue uno de los grandes nombres en la historia del blues, y por eso su lugar en La Salamandra.

La Semana en La Salamandra

El 25 de Junio de 1967, The Beatles presentan “All you need is love” en el especial de TV “Our World”, transmitido por la BBC vía satélite a 400.000.000 de personas alrededor del planeta.

John Alec Entwistle, bajista de The Who, fallecía el 27 de Junio de 2002, justo antes de que la banda comenzara una gira. “The Ox”, tal como se lo conocía, fue uno de los más grandes en su instrumento.

Jeff Beck, uno de los prominentes guitarristas del rock, nacía en Surrey, Inglaterra, el 24 de Junio de 1944. Sutileza e innovación son sus características principales en las seis cuerdas.

Uno de los maestros del blues moría el 21 de Junio de 2001: John Lee Hooker. Leyenda del género, creador de un estilo único y personal fue respetado por todos, tanto en el blues como en el rock.

Felices 98!

Hoy cumple años Ernesto Sábato, escritor argentino y universal nacido en Rojas, provincia de Buenos Aires. Se doctoró en Física y realizó cursos de filosofía en la Universidad de La Plata. Trabajó en el laboratorio Curie hasta 1945, año en el que decide abandonar la ciencia definitivamente para dedicarse a la literatura.

Entre sus títulos más destacados se encuentran: El Túnel, Sobre Héroes y tumbas y Abaddón el exterminador.

En 1983 fue elegido Presidente de la Comisión Nacional de la Desaparición de Personas creada por decisión del entonces Presidente de la República Argentina Dr. Raúl Alfonsín. Esta tarea tuvo como fruto el volumen Nunca Más, también conocido como "Informe Sábato". En 1984 fue galardonado con el premio Cervantes.

Un creador vehemente y coherente, un luchador incansable por la dignidad del hombre y un enamorado del pensamiento. Por estas cosas tenemos la osadía de incluir al Maestro Sábato en estas páginas.

"En tiempos oscuros nos ayudan quienes han sabido andar en la noche. Lean las cartas que Miguel Hernández envió desde la cárcel donde finalmente encontró la muerte:

Volveremos a brindar por todo lo que se pierde y se encuentra: la libertad, las cadenas, la alegría y ese cariño oculto que nos arrastra a buscarnos a través de toda la tierra.

Piensen siempre en la nobleza de estos hombres que redimen a la humanidad. A través de su muerte nos entregan el valor supremo de la vida, mostrándonos que el obstáculo no impide la historia, nos recuerdan que el hombre sólo cabe en la utopía.

Sólo quienes sean capaces de encarnar la utopía serán aptos para el combate decisivo, el de recuperar cuanto de humanidad hayamos perdido".

(Ernesto Sábato - Antes del fin - Memorias - Seix Barral - 1998)

Además, les recomendamos: www.fundacionernestosabato.org

Un invento memorable

El 22 de Junio de 1846, en Paris, Antoine Joseph Sax, patenta su invento: el Saxofón.
Adolphe Sax es el primer inventor que ha dado su nombre a un instrumento musical.
Aunque su nombre verdadero era Antoine Joseph Sax, fue conocido como Adolphe Sax. Nació el 6 de noviembre de 1814, en Dinant, Bélgica. Su padre, Joseph Sax, se ganaba la vida fabricando instrumentos musicales, desde instrumentos de viento hasta pianos y guitarras, pero con especial acento en la producción de instrumentos de metal.
El pequeño Adoplhe no tardó demasiado en seguir los pasos de papá Sax y con apenas seis añitos ya era capaz de fabricar sus propios instrumentos. En esa época, toda la familia se acababa de mudar a Bruselas y Adolphe comenzó sus estudios en la Escuela Real de Canto, para después estudiar clarinete y flauta en el Conservatorio de Bruselas. Su primera intención era ser clarinetista.
Al mismo tiempo, trabajaba en el taller de su padre y el muchacho, que lo llevaba en la sangre, no tardó en dominar el arte. A los 12 años era ya un experto técnico.
Con apenas 16 años, construyó dos flautas y dos clarinetes en marfil que presentó en la Exposición de Bruselas de 1830. Pero había algo más que obsesionaba a Adolphe Sax: crear un instrumento de viento que, por el carácter de su voz, pudiera asemejarse a los instrumentos de cuerda, pero que tuviera más fuerza y mayor intensidad.
Siendo clarinetista, no estaba muy satisfecho con el clarinete; buscaba un instrumento similar, que pudiera alcanzar la profundidad del oboe. Empezó a concebir la idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades de uno de madera.
Tras mucho trabajo y modificaciones para lograr una mayor calidad de sonido y resolver algunos de los problemas acústicos del clarinete, Sax consiguió crear lo que después se llamó el saxofón, nombre que combinaba su apellido con el sufijo griego phonos (sonido).
Fabricado en cobre y en forma de cono parabólico, el saxofón tenía por embocadura una boquilla de caña simple. El orgulloso inventor explicó que, mejor que cualquier otro instrumento, era capaz de modificar su sonido para adptarse al sonido que conviniera o de poder conservar una igualdad perfecta a lo largo de una interpretación. La digitación era como la de la flauta y la del clarinete. El saxofón estaba concebido para cubrir, en las bandas, un espacio entre la fuerza del metal y la calidez de la madera. A los 26 años, Adolphe Sax presentó su nuevo instrumento, tocándolo por primera vez en público en agosto de 1841, formando parte de la Segunda Exposición del Museo de la Industria de Bruselas. No fue bien recibido y los académicos ridiculizaron su invento. La aparición del saxofón en el mundo musical fue desastrosa.
A los 28 años, el joven fabricante se fue a París sin recursos, porque su padre se había gastado el dinero en experimentos, pero llegó con su invento bajo el brazo, esta vez siendo bien recibido por importantes compositores, como su amigo Héctor Berlioz.
Pero no sólo Berlioz tuvo frases elogiosas para el saxofón. Rossini, tras oírlo, expresó: "Nunca he escuchado nada tan bello”. Aplicando la experiencia de su padre a sus creaciones, Adolphe logró crear una familia de siete miembros: sopranino, soprano, alto, tenor, barítono, bajo y contrabajo. Aunque Sax había patentado sus nuevos instrumentos, no ganó mucho dinero con ellos. Es más, se pasó diez años peleando en los tribunales contra otros fabricantes de instrumentos que lo demandaban alegando la poca originalidad de sus inventos.
El hecho de que el saxofón no desapareciera como muchos instrumentos inventados durante el siglo XIX fue su incorporación a las bandas militares. Adolphe Sax fue nombrado, en 1854, "Fabricante de Instrumentos Musicales de la Casa Militar del Emperador".
El saxofón fue el invento más famoso de Sax, pero diseñó también, con la ayuda de su padre, una serie de instrumentos de metal basados en el clarín con pistones, llamados saxhorns, que todavía tienen cabida en las bandas de música de Estados Unidos, el Reino Unido y Francia. Además, perfeccionó y completó las familias de casi todos los instrumentos de viento e incluso inventó algún instrumento de percusión.
Sax se dedicó a construir un saxofón nuevo, perfeccionándolo y aportando tantas innovaciones que en 1880 consiguió una nueva patente, con mejoras no sólo en el mecanismo, sino también en la calidad del sonido.
En su vejez, Sax vivió en la pobreza total. Un grupo de influyentes compositores franceses, entre los que se encontraba Camille Saint-Saëns, pidieron al ministro francés de Bellas Artes que le diera sustento económico, por lo que sus últimos días los pasó dependiendo de una pequeña pensión.
Olvidado y solo, Adolphe Sax murió en París el 7 de febrero de 1894, a los 79 años.
El genial inventor recibió un póstumo homenaje en su patria al aparecer en los billetes de 200 francos del Banco Nacional de Bélgica, billetes que hoy son objetos de museo ante la aparición del euro.
Aproximadamente 30 años después de la muerte de Adolphe Sax, el saxofón hizo su contribución cultural más importante en el nuevo estilo de música que introdujeron los músicos afroamericanos: el jazz. El instrumento conquistó el mundo, insertándose en diversos géneros musicales, jazz, rock, clásico y muchas otras vertientes.
Un dato curioso: según el libro de Récords Mundiales Guinness, el instrumento de jazz más valioso es un saxofón que alguna vez perteneció a Charlie Parker, que se vendió el 7 de septiembre de 1994 en 93,500 libras esterlinas en una subasta de Christie’s en Londres.
Le debemos a Adolphe Sax el saxofón, que ha enriquecido y ampliado los límites del rock, al meterse con comodidad en la clásica estructura de guitarras, bajo y batería de las bandas, aportando texturas y colores imposibles de lograr con otros instrumentos. Un ejemplo es el de Dick Parry y su magistral interpretación de "Money" junto a Pink Floyd en Live 8.

(Fotografías: Adolphe Sax e instrumentos originales fabricados por Sax)

La Semana en La Salamandra

ESTO LES CUENTA LA SALAMANDRA EN LA SEMANA DEL 14 AL 20 DE JUNIO
El 18 de Junio de 1942, en Liverpool, nace James Paul McCartney. Uno de los artistas más importantes que dio el siglo XX. Una enorme versatilidad y un talento que abarca innumerables facetas y, por supuesto, un Beatle.

Nació el 14 de Junio de 1949 en Pelton, Inglaterra. Uno de sus primeros trabajos fue nada menos que junto a John Lennon, pero su extensa carrera de más de 30 años como baterista de Yes, convierten a Alan White en una de las figuras prominentes de la historia del rock.

200.000 personas asistieron al primer Monterey Pop Festival, llevado a cabo en California, del 16 al 18 de Junio de 1967. Una nómina de figuras impactante, como Jimi Hendrix, The Who, Janis Joplin y muchos otros. Un festival que sería un clásico en los 60’s.

Más padres e hijos

Y así como en la vida nada es blanco o negro, también el rock a través sus autores ha reflejado distintas visiones de un mismo tema. Así como, por ejemplo, John Lennon y Paul McCartney se expresaron en forma muy dispar sobre sus madres (John en "Mother" y Paul en "Let it Be") les dejamos aquí otra letra que se diferencia de la de Cat Stevens (o tal vez a través del tiempo la complementa), y también habla sobre padres e hijos. Es Peter Gabriel con "Father, son".

Padre, hijo, unidos como uno solo, espalda contra espalda en este salón vacío, hasta que el calor se abra paso. Recuerdo las zambullidas bajo las olas, cuando aprendí a ser valiente sabiendo que mi papá podía salvarme; podía frenar la marea con mi papá a mi lado. Perros, arados y arcos, avanzamos con cada actitud, luchando cada cual a su modo; mantras e himnos, desplegando limbos, buscando liberarnos a través del dolor. Y los ojos del Yogi están abiertos, mirando al cielo; él también está soñando con el amor de su papá, con su papá a su lado: tiene a su papá a su lado. ¿Podés recordar cuando me llevabas a la escuela? No podíamos siquiera hablar. Ha pasado tanto tiempo, y ahora estas lágrimas me hacen sentir que aún soy tu niño. En el páramo nos tomamos un descanso; mirá qué lejos hemos llegado. Te estás moviendo bastante despacio ¿Hasta dónde podremos llegar? Padre e hijo. Con mi papá a mi lado, tengo a mi papá a mi lado, conmigo.....

Padres e hijos

Por estos días de recuerdos, anécdotas y regalitos, de "envianos tu foto con tu papi y vas a ser famoso un ratito", eso sí, si te quedás todo el día frente a la pantalla y te olvidás cuál era el motivo, quisimos recordar a un compositor que planteó las cosas al revés. Bienvenidos a nuestro homenaje a los hijos y un beso a los papás, que, tal vez, lo único que perseguían era nuestro bien, aunque no nos pusiéramos de acuerdo en su concepto.

Padre e hijo
(Cat Stevens)

No es momento para cambiar, serenate

tomalo con calma, todavía sos joven, ese es tu error,

todavía tenés mucho que aprender.

encontrá una chica, asentate, si querés, podés casarte

mirame a mí, soy viejo pero feliz.

Una vez fui como vos sos hoy,

y sé que no es fácil serenarse cuando encontrás algo que te gusta

pero tomate tu tiempo, pensá mucho, pensá en lo que tenés

porque vos vas a seguir estando aquí mañana, pero puede que tus sueños no.

Cómo hago para explicárselo, porque cuando lo hago él se aleja otra vez;

siempre es la misma historia.

Desde el momento en que pude hablar, me ordenaron que escuchara;

ahora sé que hay un camino y que debo irme.

Sé que debo tomar mi camino

No es momento para hacer cambios.

Calmate y andá despacio

todavía sos joven, ése es tu error, te falta mucho por recorrer.

Encontrá una chica, sentá cabeza, si querés podés casarte,

mirame a mí, soy viejo, pero estoy feliz.

Todas las veces que he llorado

guardando dentro de mí todo lo que sé

fue muy duro, pero más duro es ignorarlo.

Si tuvieran razón haría lo que dicen,

pero son ellos los que no me conocen;

ahora sé que hay un camino y que debo seguirlo,

sé que tengo que irme.

Howlin Wolf: El Lobo del Blues

Chester Arthur Burnett nació el 10 de Junio de 1910 en West Point, Mississippi, y creció en la plantación de Young & Meyers, cerca de Ruleville, detalles que seguramente a muchos de ustedes no les interesan. Este hombre enorme, con una voz profunda y potente, trabajó durante la década del 30' en toda el área del Delta del Mississippi y estuvo en contacto con Sonny Boy Williamson, Robert Johnson y otros (como si estos dos no fueran suficientes), y formó dupla con el ahijado de Johnson, Robert Jr. Lockwood. Trabajó con los nombres de Big Foot y Bull Cow, hasta que dio definitivamente con el apodo Howlin' Wolf (lobo aullador) por su registro vocal capaz de la más cavernosa profundidad o el más agudo de los aullidos. Entre 1941 y 1945 prestó servicio en el ejército y al volver de la guerra retornó al trabajo en las granjas como peón de campo durante el día, y haciendo música por las noches, antes de convertirse en vendedor de publicidad, productor y DJ para la estación de radio KWEM de West Memphis. Sus primeras grabaciones fueron para Sun Records en Memphis, cedidas luego a la mítica Chess Records. Radicado en Chicago (a partir de 1952), Howlin' Wolf se convierte en una superestrella del blues gracias a su oscura e inmensamente rica voz, y a su trabajo de armónica y guitarra. Como muchas de los músicos de blues norteamericanos de posguerra, Wolf es el héroe de las estrellas de rock inglesas, llegando a grabar para el sello de los Rolling Stones en 1971 un álbum (The Howlin'wolf London Sessions) junto a Eric Clapton, Steve Winwood, Bill Wyman, Charlie Watts y otros nombres de la escena inglesa.

Un gran representante del blues, Chester Burnett, murió el 10 de Enero de 1976 en Illinois. En el video podemos verlo, presentado por Brian Jones junto a los otros Stones. Aquellos que enfoquen bien su mirada, podrán ver sobre el final del tema a Billy Preston al piano. El tema se llama "How many more years" y es uno de sus clásicos, capturado para la TV inglesa en 1964.

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Play the Game

Días atrás Paul McCartney, Ringo Starr, Olivia Harrison y Yoko Ono anunciaron la salida del juego de Play Station "The Beatles Rock Band". La fecha de lanzamiento será el 9 de Septiembre de este año y, por supuesto, ha concitado una enorme atención por parte de los medios, como lo hace cualquier noticia vinculada a la banda. Lo cierto es que cuarenta y cinco canciones remasterizadas han sido incluídas en el juego y habrá (como siempre) alguna que otra edición especial que entregará algún inédito para aquellos que se animen a comprar la Xbox LIVE de Microsoft, que tendrá una versión descargable de "All you need is love". Lo recaudado a través de esta edición especial se destinará a un fondo para "Médicos sin Fronteras".

La presentación fue en Los Angeles y se anunció que el juego remedará las actuaciones en The Cavern, The Ed Sullivan Show, The Shea Stadium, The Rooftop Concert (el mítico Concierto de la Azotea) y muchas otras presentaciones de la banda con los clásicos de toda su carrera.

Tal vez sea una muy buena manera de acercar a las nuevas generaciones a la música del grupo que transformó la música popular y revolucionó al mundo.

¿Quieren darle una mirada para ver cómo será? ¿Quieren opinar?

Cinema Show

Sir Mick Jagger también está en campaña. No por poder; bueno, sí , para poder salvar el cine EMD de Walthamstow en Londres donde grupos de los sesenta (incluídos los Stones) actuaron. Se llamaba en ese entonces "The Granada".
El cine abandonado, fue comprado en el año 2003 por la Iglesia Universal del Reino de Dios y se le ha negado a ésta el permiso para usarlo como iglesia, aunque podrían conseguirlo.
Jagger declaró que esos lugares son la savia de la historia cultural inglesa y han ayudado a la música popular de ese país a ser conocida por las grandes audiencias. Y pretende, junto a otros artistas, conservar este edificio histórico para las generaciones futuras como centro de artes.
Tal vez lo haga sólo por mantener en alto la bandera que con su grupo levantó en 1968.
Del álbum "Beggars Banquet" el tema Sympathy for the devil (ensayos reflejados en el documental de Jean-Luc Godard).

The song remains the same

Sting y Edin Karamazov tocando en vivo "Come Again" , una obra de John Dowland (compositor del siglo XVI)

Interpretación conmovedora , coro celestial y audiencia muy especial.

Del álbum "Songs from the Labyrinth" : música atemporal.

Pepper

El 1º de Junio de 1967 The Beatles editaban "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Hay quienes piensan que Sgt. Pepper no fue el mejor álbum de Los Beatles. Incluso hay quienes piensan que no fue el mejor álbum de 1967. Es probable. Hasta hay quienes, erróneamente, le dieron a Sgt. Pepper la incuestionable calidad de álbum psicodélico. Personalmente no lo creemos. La psicodelia fue una estética determinada que artistas y músicos de la época llevaron adelante con una vigencia y un éxito que el tiempo se encargó de juzgar.
Pero, desde nuestro punto de vista, Pepper está en las antípodas de la psicodelia, que era una corriente dentro de la cual se podían incluir muchas cosas, cualquier cosa. Sgt. Pepper’s no era cualquier cosa.
Es noviembre de 1966 y Los Beatles comienzan las sesiones de grabación con vistas a su próximo álbum después de Revolver. George Martin está en la producción con un nuevo ingeniero de sonido, Geoff Emerick, ya que el anterior, Norman Smith, se había alejado para producir a Pink Floyd (Curioso, ¿no es así?) Los tres primeros trabajos son When I’m sixty four, Strawberry fields forever y Penny Lane. Ambos temas parecían ser un vasto, gigantesco paso adelante, algo que era mejor que todo lo que alguna vez se hubiera escuchado, algo apuntando hacia una nueva generación y un nuevo tiempo.
EMI estaba ansiosa por un nuevo simple Beatle, y se decidió que sería Penny Lane y Strawberry fields forever, salidas del corazón mismo de Pepper, aunque luego no lo integrasen, ya que se deseaba que ningún tema del álbum en proyecto fuera un simple.
Esta fue, de extraña manera, el comienzo de la obra conceptual de Sgt. Pepper’s como unidad indisoluble. Como también parecía ser en ese entonces indisoluble la unidad de Los Beatles. Un ambiente de camaradería reinaba en las sesiones de grabación y hacía fáciles las cosas. De otra manera es imposible pensar que una maravilla como Pepper haya sido realizada con las condiciones técnicas de la época. Hoy en día se trabaja en cuarenta y ocho pistas o más. Pepper fue grabado en irrisorias y simples máquinas de cuatro pistas, una tecnología de la que nadie podría suponer que saldría el álbum que revolucionó una era y las siguientes, claro que con el agregado de un par de detalles sin los cuales la tecnología nada vale: el talento y la creatividad. Creatividad que hasta les permitía suponer que eran otra banda, ahora sí, La Banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pepper, que le pedía permiso a Los Beatles para ocupar su lugar por un tiempo e invitarlos a su audiencia. Dejaban de lado el protagonismo, o lo delegaban en sus “alter-egos”, para que cantaran y contaran las historias que Los Beatles querían escuchar, con la mayor simpleza posible, pero, a la vez, con mayor perfección que la hasta entonces lograda. Pepper fue un escudo, una máscara que les permitió mostrar Los Beatles que nadie conocía pero que todos esperaban. Una vez más, los magos sacaban conejos de la galera y los hacían correr por las mentes de su público.
Había más para dar e iba a ser dado generosamente, sin ningún retaceo, pero con una pequeña condición: el Sargento Pepper se presenta y luego pregunta: “¿Qué pensarías si desafino? ¿Te pararías y me dejarías plantado? Préstame tus oídos y te cantaré una canción y trataré de no cantar fuera de tono. Lo lograré con una pequeña ayuda de mis amigos. Llegaré alto con una pequeña ayuda de mis amigos.”
Había que acompañarlo entonces hasta el fin del concierto, una asombrosa travesía que nos haría viajar por un cielo con diamantes y hacer que las cosas mejoraran para permitir arreglar los agujeros, ver como ella se va de casa, tal vez para asistir a un show en beneficio de Mr. Kite; nos haría estar en nosotros pero sin nosotros, para luego hacernos pensar cómo seremos a los sesenta y cuatro, conocer a la adorable Rita y saludarla con un Buenos días, buenos días, para bajarnos al final del concierto en el que el Sargento nos dice que espera que lo hayamos disfrutado, nos agradece una vez más y, por cierto, olvidaba contarnos cómo es un día en la vida.
Todo el mundo sabe que para lograr algunas cosas hace falta talento y trabajo. Agregamos a esto otra palabra importante: respeto. Y el enorme respeto que mostraron Los Beatles hacia el destinatario de sus obras se ve confirmado no sólo por el meticuloso desarrollo de lo musical en Pepper, sino en su presentación, que también fue revolucionaria. La portada de Pepper fue absolutamente innovadora en todo sentido: primera tapa doble, la primera vez que se incluían las letras de las canciones, un desplegable con las insignias del Sargento y un concepto general totalmente inédito, uniendo contenido y continente para dar origen a lo que conocemos como “obra conceptual”.
Pero además de todo ésto -que ya de por sí era inusual como esfuerzo en cuanto a la cubierta de un álbum-, hay un dato que resulta contundente a la hora de evaluar por qué Pepper fue una obra decisiva para toda la música posterior a él. El primer álbum de Los Beatles fue grabado en 585 minutos. Algo menos de 10 horas. En cambio Sgt. Pepper’s fue realizado gracias a unas 700 horas de grabación, unos 42.000 minutos, más de 70 veces el tiempo de Please, please me.
Habría muchísimo más para hablar sobre Pepper, porque los detalles de todos sus aspectos son riquísimos. En este caso sólo nos resta repetir lo del comienzo: como dicen algunos, es probable que no sea el mejor álbum de Los Beatles. También es probable que no haya sido el mejor álbum de 1967. Sin embargo, es la obra que definitivamente capturó el espíritu de una época y lo hizo perdurable, inmortalizó un momento de la historia y lo convirtió en eterno.
Habrá habido álbumes que a juicio de otros tal vez fueron mejores. Todo es probable. Lo que es absolutamente seguro es que seguiremos escuchando Sgt. Pepper’s cuando tengamos sesenta y cuatro.

(Extracto de "The Beatles - Dos de Nosotros" - Buenos Aires - 1997)

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Koko Taylor: adiós a una reina

Se murió una de las grandes del blues. Ayer, 3 de Junio de 2009 murió Koko Taylor, la "Reina del Blues". En 1962 con la ayuda de Willie Dixon (maravillado por su talento), Koko consiguió un contrato con la grabadora Chess. Su primer éxito, en 1965, fue Wang Dang Doodle, del que se vendieron millones de copias y hoy es uno de los clásicos del blues. En ese tiempo Koko fue considerada por muchos críticos la principal figura femenina del mundo del blues: de ahí surgió que se le conociera como la reina. Innumerables actuaciones hicieron de ella una de las principales referentes femeninas del género. En el transcurso de su extensa trayectoria, Koko recibió todos los premios que en blues se puedan obtener; incluso, el 3 de marzo de 1993, el alcalde de Chicago, Richard M. Daley, la nombró Leyenda del Año y declaró esa fecha el Día Koko Taylor en esa ciudad. Su disco más reciente, Old School (2007) fue postulado a un Grammy (ocho de sus nueve álbumes fueron candidatos a ese premio), galardón que ganó en 1984 por su aparición en la recopilación Blues Explotion. En 2004 recibió la beca Patrimonio Nacional, uno de los más altos honores para un artista estadunidense. A principios de este mes de Mayo de 2009 obtuvo su galardón Nº 29: el Premio de la Música Blues. Cora Walton, nombre real de Koko, nació en una finca en las afueras de Memphis, el 28 de septiembre de 1928. Se inspiró en el gospel y el blues de artistas como BB King, Rufus Thomas, Big Mama Thornton y Bessie Smith, pero también desempeñaron un papel importante otros como Muddy Waters, Sonny Boy Williamson y Howlin’ Wolf. Una mujer que sentía el blues, una dama de las irreemplazables. Se fue Koko Taylor, el blues está más triste.