Por qué no?

El próximo 12 de Enero de 2010, Ringo Starr edita su nuevo trabajo Y not, en el que por primera vez encara la producción integral, lo que lo convierte en un disco con un aire absolutamente personal, algo que hasta ahora no se había dado en anteriores trabajos. Cuenta, como él dice, con nuevos y viejos amigos que incluyen a Paul McCartney, Joe Walsh, Dave Stewart. Joss Stone, Glen Ballard, Richard Marx, Van Dyke Parks, Gary Nicholson más Gary Wright y Gary Burr tanto en instrumentos como en las composiciones en colaboración. Esta es la lista de temas y más abajo el video promocional y el link hacia el tema "Walk with you" junto a Paul. Como siempre, gracias al Espía CGV por toda la data.

1. Fill In The Blanks

2. Peace Dream

3. The Other Side Of Liverpool

4. Walk With You

5. Time

6. Everyone Wins

7. Mystery Of The Night

8. Can't Do It Wrong

9. Y Not

10. Who's Your Daddy

Y aquí el tema completo:

http://d.yimg.com/kq/groups/9026245/1794853372/name/04

Una Canción de Navidad

Antes de que todo el mundo enarbole una vez más (con lamparitas y todo) las canciones remanidas sobre la Navidad y pregone cosas que luego no hará durante el año, quisimos echar mano de la ácida y lúcida verba de Ian Anderson de Jethro Tull, que supo pintar las cosas con enorme claridad. Esta versión de "A Christmas song" es la del álbum "A little light music" y pertenece a una actuación en Israel, con una introducción muy risueña de Ian que dice (palabras más, palabras menos): "Es una época de elevación espritual, de unión con el universo y Donovan. Esta nos es época de beber copiosamente, comer en exceso o practicar sexo ocasional con animales de granja; eso está fuera de la cuestión. Por lo tanto, quedas advertido, Dave Pegg", concluye Ian dirigiéndose a su bajista.
Fuera de estas habituales presentaciones de Anderson en algunos temas, y poniéndonos un poco más serios, esto es lo que dice sobre cómo es y cómo no debe ser la cosa, según la traducción que hace ya algún tiempo, hicimos en LA SALAMANDRA:

A Christmas Song

(Ian Anderson)

Había una vez en la Ciudad Real de David un pequeño pesebre

en el que una madre tuvo a su bebé.

Harían bien en recordar las cosas que después Él dijo,

en lugar de atiborrarse de comida en sus fiestas navideñas;

y sé que simplemente se reirían si les digo que las eviten.

No están entendiendo nada, cuando no habría nada que explicar:

El espíritu de la navidad no está en lo que beben.

Por eso, ¿cómo pueden reír cuando su propia madre tiene hambre?

¿y cómo pueden sonreír cuando todas las razones para la sonrisa están equivocadas?

Y si con esto estropeo sus desconsiderados placeres,

no se preocupen, recuerden,

si así lo quieren... esta es sólo una canción de Navidad.

(Hey! Papá Noel! Me alcanzarías la botella?)

Summertime

Dicen que dentro de algunas horas comienza el verano por estos lares. Los estudiosos del tema hacen cálculos siempre porque, como recordaremos, la Tierra está achatada en los polos y entonces el movimiento de traslación y el Sol y el ángulo..... en fin, comienza hoy, en algún momento.

Todas las ramas del arte han hablado del verano, cada una a su modo y con su impronta.

En este blog también lo hemos hecho, con una versión de una obra de Gershwin.
Hoy queremos recordar a un violero que también opinó sobre el verano, a su modo: el tema es Summer Song del álbum The Extremist.
El hombre se llama Satriani, Joe Satriani. Qué opinan?

Forty years later, Alvin Lee

En Nottingham, Inglaterra, el 19 de Diciembre de 1944 nace Alvin Lee, el estupendo guitarrista líder de la banda Ten Years After. Alvin comenzó a tocar la guitarra a los trece años y formó su banda llamada The Jaybirds, que en 1960 se convertiría en Ten Years After. Con una poderosa voz y un estilo explosivo, Alvin supo combinar en los furiosos rocks de la banda mucho del jazz y el blues que estaban en sus raíces. La vibrante actuación del grupo en Woodstock (en donde deslumbraron con su hit de 1968 "I'm Going Home") los hizo conocidos para el gran público de todo el mundo. Temas como "I woke up this morning" (de marcada influencia Cream) o "Ssssh" se erigieron en standards de la banda y de Alvin en sus actuaciones como solista. Ha editado en esa faceta álbumes memorables como 1994, en el que destaca una versión de "I want you (She's so heavy)" en la que el mismísismo George Harrison aportó la guitarra slide, y un hermoso e impactante blues llamado "The bluest blues".

Guitarrista para tener en cuenta, Alvin es hoy uno de los más respetados integrantes de la generación de músicos ingleses de la década del 60.

Nueva canción de Paul McCartney

Paul ha compuesto una nueva canción llamada "I want to come home" y es para la película protagonizada por Robert de Niro y Drew Barrymore. Está nominada para un Golden Globe y ya está en las nominaciones para un Oscar. Es una bella melodía, de esas a las que Paul nos tiene acostumbrados y de las que no alcanzamos a explicarnos cómo logra esa emoción siempre. La letra es bastante autocrítica (en un tramo dice "me enseñé a mi mismo a creerme cada historia de que me contaba, pero ahora quiero volver a casa").
Aquí, el video oficial.

(Como siempre, gracias al Espía CGV por habernos adelantado la canción)

Tom Waits, o Tomás Espera

Dedicado con todo nuestro amor y admiración a
Dani Natanson
(dondequiera que esté)

En Pomona, California, el 7 de Diciembre de 1949, nace Tom Waits, pianista, cantante, guitarrista, compositor, actor, poeta de voz aguardentosa, de versos melancólicos, creador de personajes desesperados, desangelados, personajes habitantes de noches sórdidas y vacías, de amores partidos, capitanes de naufragios y vientos en contra. Un artista personal, difícil; alguien definitiva y auténticamente no convencional que atrapa y seduce. Su carrera, tan extensa como ecléctica supera la veintena de discos y otras tantas películas (con muchos papeles protagónicos o roles destacados). Entre sus álbumes hay que escuchar, inevitablemente, "The Heart of the Saturday Night" (1974) y "Heartattack and Vine" (1980). Talento sin límites ni prejuicios, Tom Waits ha sido influencia para muchos artistas de su generación y de las nuevas camadas.

Hey hey Mama!

Hoy cumpliría 83 años Willie Mae, conocida como Big Mama Thornton, una figura imprescindible si queremos hablar de la historia del blues.

Cuentan sus biógrafos que esta mujer era realmente grande: medía más de 1.70 metros y pesaba, al menos en sus inicios más de 150 kilos.
Su actitud en escena era distinta, su modo no convencional. Nacida como corresponde en el seno de la familia de un predicador (11 de Diciembre de 1926) y también, como corresponde, habiendo cantado desde pequeña en la iglesia, se marcha de su Alabama a los 14 años. Deja su suelo, no sus raíces.
En 1953 graba una canción que iba a ser inmortalizada por otro cantante, uno blanco de Memphis, algunos años después. El tema era Hound Dog del dúo Leiber-Stoller. También graba Ball 'n' Chain ( interpretada luego por Janis ).
Sabía tocar la batería y la armónica. Su final fue en una pensión de Los Angeles en al año 1984.
En el video Big Mama y su estilo. Desafiante, se enfrenta a la audiencia y le canta unas cuantas al hombre en cuestión. A su izquierda un casi irreconocible Buddy Guy en guitarra eléctrica.

John Lennon - Nunca Sabremos

John Lennon
(9 de Ocubre de 1940 - 8 de Diciembre de 1980)

Hace veintinueve años que no tenemos a John. La década del 80 comenzó sin él y ya nada fue lo mismo. Seguramente el mundo hubiera sido otro con John, y sin dudas, John hubiera sido otro en este mundo que tanto lo necesitó. Y nada fue lo mismo en lo musical como en lo social. Hubiéramos tenido más música y hubiéramos tenido más ideas, más mensajes, más de un John que nos fue negado. "Nunca entenderemos (dice una canción) la maldita razón de caer de rodillas en pleno Nueva York". Pero tampoco sabremos si con John presente hubieran pasado otras cosas. ¿Qué hubiera pensado John de los Anthology (tanto de The Beatles como el Lennon Anthology)? ¿Hubiera habido alguna reunión alguna vez? ¿Se habría concretado "Love" del Cirque du Soleil? ¿O el Let it Be Naked? ¿Qué hubiera pensado de las reediciones? ¿Las hubiera autorizado? ¿Qué hubiera sido de su carrera? ¿Seguiría viviendo en Estados Unidos o tal vez hubiera retornado a Inglaterra? ¿Seguiría con Yoko? Todo eso es lo que se nos negó saber, todo eso, todas esas preguntas y todas esas respuestas son las que nos faltan junto con John. Toda una obra posible, todos los silencios o todos los gritos, todas las baladas y todos los rocks, la reflexión y la ironía, la genialidad y la simpleza, la irascibilidad y la empatía. Nunca sabremos, e imaginar (a pesar de John) en este caso no sirve. El pasado hace que este futuro sea inmodificable y ninguna especulación es válida porque John, afortunadamente, no era predecible y todo hubiera sido diferente, sin duda, pero no fácil, no común y corriente, no cotidiano y esperable. En estos casi treinta años el mundo ha cambiado mucho, demasiado. Nos permitimos aventurar que John, siempre diferente, siempre innovador, seguiría siendo el mismo.

(Gracias a Claudio por los versos de "Nunca Sabremos")

Eterno Resplandor de una noche inolvidable: Luis Alberto Spinetta y Las Bandas Eternas

Anoche, 4 de Diciembre, en el Estadio de Velez Sarsfield en Buenos Aires, se presentó "Luis Alberto Spinetta y Las Bandas Eternas", el formato que el Flaco eligió para celebrar sus cuarenta años de carrera. Una multitud fue colmando la cancha y desafiando al clima frío que a eso de las 20.30 hs. comenzaba a insinuarse y que a medida que avanzó el concierto llegó a una temperatura inusualmente baja para el mes de Diciembre. A las 21.00, hora prevista para el comienzo del show no había impaciencia en el público sino una enorme expectativa por lo que esta celebración suponía. Es así que los casi cuarenta y cinco minutos de demora que se tomó el Flaco Spinetta para salir al escenario fueron una parte más de la fiesta, y su aparición, con ese eterno candor infantil que Luis afortunadamente conserva, motivó un recibimiento cálido y emocionado por parte de todos los que estábamos ahí. Como siempre lo hizo, en forma directa y simple, Spinetta saludó y agradeció de movida a aquellos músicos que no iban a estar presentes ya fuera en versiones de canciones o en persona (Pedro Aznar, Moris, el Indio Solari entre otros) y mencionó al uruguayo Hugo Fatorusso como "el más grande talento que dio el Rio de la Plata". Y a partir de ahí, con su banda actual comenzó una primera parte de un concierto que iba a extenderse por más de ¡¡cinco horas!!. En esta primera etapa fueron veinticinco las canciones que Luis nos regaló junto a invitados pertenecientes a Jade y a su carrera solista, y también algunos covers. Así, Juan Del Barrio, Mono Fontana y Diego Rappoport se fueron alternado ( o conviviendo) en los teclados y Guillermo Vadalá en bajo y guitarra para que pasaran temas como "El rey lloró" (en homenaje a Lito Nebbia), o "Adonde está la libertad" de Pappo en la voz de Juanse, quien tuvo un frío recibimiento, diferente por completo al que tuvo Fito Paez, ovacionado y poniendo sus teclados para entonar junto al Flaco "Las cosas tienen movimiento" y "Asilo en tu corazón". Gustavo Cerati se destacó en su intervención y dijo haber realizado "el sueño del pibe". Después sus hijos Dante y Valentino subieron para hacer junto a su padre "Necesito un amor" de Javier Martinez y Manal, en una lograda versión rap. También en esta primera parte Luis homenajeó a Miguel Abuelo, cantando solo con su guitarra "Mariposas de Madera". Aquí Spinetta confesó que "Muchacha ojos de papel" existe porque existe "Mariposas de Madera" y que el concepto "ojos de papel" lo "afanó", seguramente en forma inconciente, del tema de Miguel Abuelo. Ya para el final de esta primera parte (en la que comenzó la broma que luego se extendería durante toda la noche cuando Luis presentaba a cada invitado con la calificación de "genio"), la versión de "Filosofía barata y zapatos de goma" preanunció una de las presencias más esperadas: Charly García se sentó en los teclados y junto a Luis arremetieron con "Rezo por vos" y a todos se nos enrojecieron los ojos y se nos partieron las manos de aplaudir.

Un intervalo de diez minutos marcó la separación entre esta primera parte y sus veinticinco temas, y el sube y baja emocional que se avecinaba en la segunda. Spinetta abrió recordando a Daniel Wirtz (su baterista en Los Socios del Desierto fallecido en 2008) y junto a Marcelo Torres en bajo y Javier Malosetti en batería (!) reformuló lo que el llamó "los socios del concierto". Después de esto, Invisible, con Machi Rufino y Pomo entregaron "Jugo de Lúcuma" y "Perdonado (Niño condenado)", y después, con el agregado de Lito Epumer en guitarra, hicieron "Amor de Primavera" de Tanguito. Y todavía faltaba más: Luis presentó sin anestesia a Carlos Cutaia, Black Amaya, Guillermo Vadalá en bajo y remató: "como si esto fuera poco: David Lebón". Pescado Rabioso se materializaba en la noche de Velez y "Poseído del Alba", "Hola dulce viento" (en la voz de David), "Me gusta ese tajo" (donde se sumó Bocón Frascino en guitarra) y "Post-crucifixión" fueron cuatro mazazos que nos dejaron en estado de delirio. Un estado de delirio que no hizo más que continuar cuando el Flaco, emocionado como todos nosotros que presentíamos lo que venía presentó (una vez más) a "cuatro genios": Emilio del Guercio, Rodolfo García y ("directo desde Carpintería, Provincia de San Luis") Edelmiro Molinari: Almendra. Enseguida Luis se ocupó de aclarar que había dicho "cuatro genios" porque eran tres que conformaban uno más. "Color Humano" abríó el set y la guitarra de Edelmiro volvió a electrizarnos a todos como lo hizo cuarenta años atrás, Emilio cantó "Fermín" con la emoción de siempre y la batería de Rodolfo fue un ariete en "Hermano Perro", Spinetta y se bella voz en "A estos hombres tristes", y Luis (dedicándoselo a su madre Julia, presente en el estadio, diciéndole "este es tu momento") nuevamente encendió la magia con "Muchacha ojos de papel" con su acústica y los coros de Edelmiro, Rodolfo y Emilio convirtiendo esos minutos en un instante eterno que ninguno de los que estábamos allí podrá olvidar jamás. Imposible ya reponerse, imposible ya salir del asombro, imposible no disfrutar de un Luis Alberto Spinetta que a más de cinco horas de show nos preguntaba si queríamos más y nos decía que nos invitaba a todos a su casa, tal vez sin darse cuenta de que, a través de esos viajes sutiles e imperceptibles que sólo los talentosos pueden guiar, ya nos había llevado a casa, ya nos había abierto la emoción de par en par para instalarnos en nuestro lugar. Luis lamentó no haber contado con la presencia de León Gieco, que según contó "estaba haciendo algo mucho más importante", presentando en La Habana la película Mundo Alas, pero que lo traía al show con la canción "8 de Octubre" compuesta por ambos para recordar la tragedia de los estudiantes del Colegio Ecos. Enseguida se sumó Ricardo Mollo para este tema, y para cerrar la noche todos cantamos "Seguir viviendo sin tu amor", "Yo quiero ver un tren" y "No te alejes tanto de mi". Y hubo algo más: Luis invitó a todos los que participaron en el concierto a subir al escenario vistiendo la remera de "Conduciendo a Conciencia" que recuerda la tragedia de los chicos de Ecos y repudiando la actitud de la revista de rock (?) que no publicó en forma visible la foto suya junto a Charly García vistiendo esa misma remera, y nos pidió a todos que nos uniéramos en un "fuck up" para esa revista. Cinco horas cuarenta minutos de historia en la voz inalterable de Luis Alberto Spinetta, cincuenta canciones que son parte de nuestras vidas y una reunión de músicos que difícilmente vuelva a verse, pero principalmente un festejo aniversario que más allá de los nombres, épocas y pertenencias, fue un homenaje al rock nacional. Eran las tres y media de la mañana y salíamos contentos, helados y tiritando, con la cabeza todavía llena de música buscando una calle que de alguna forma no nos alejara de las horas vividas, mientras al borde del escenario, todavía asombrado y como un símbolo, alguien disfrazado del hombre de la tapa de "Almendra 1" (hasta con la sopapa en la cabeza) no se resignaba a irse. Un par de horas antes, durante el concierto, el cielo de Velez fue surcado hacia el oeste por una estrella fugaz que no quiso perderse el momento y fue una alegórica contradicción a la permanencia que el eterno Flaco representa.

Gone but not forgotten

Una noticia que nos llena de tristeza. Eric Woolfson (el incansable y talentoso músico escocés que conocimos por ser junto a Alan Parsons el creador de The Alan Parsons Project) falleció en el día de ayer.
Había nacido en Glasgow en 1945. A los 18 años lo contrata Andrew Loog Oldham, el productor de The Rolling Stones, y así comienza una carrera que lo lleva a producir a The Tremeloes. Marmalade, The Equals, 10cc. Hasta que hacia 1975 forma junto a Alan Parsons "The Alan Parsons Project". Él concibió y escribió los diez álbumes de APP, que han vendido más de 40 millones de copias y han abarcado temas como la obra de Edgar Alan poe (de la que además era estudioso), o Freudiana, última participación de Woolfson en el APP. También cubrió el rol de pianista y cantante en varias de las canciones del grupo.
En agosto último, con motivo del 200 aniversario del nacimiento de Poe (1809-1849), el músico estrenó un musical sobre la obra del escritor y aseguró haber cumplido uno de los sueños de su vida. Había estudiado su obra durante más de cuatro décadas y se consideraba como un "adicto" al escritor estadounidense, aunque una disputa con el regisseur de la obra, Frank Alva Buecheler, lo llevó a decir amaragamente "esa no es mi obra".
Logró grandes éxitos como compositor de los musicales "Gaudi", "Gambler" y "Dancing Shadows".
Pero todos lo recordamos como el hombre detrás de The Alan Parsons Project, el de las melodías hipnóticas y cautivantes y las letras que iban un poco más allá de lo que todos esperaban.
Un grande en todo sentido y, lamentablemente, una figura que pocos reconocieron.

A taste of honey

En algunos de los honorables cafés de Buenos Aires, Argentina, hace ya unos años, uno podía encontrarse con una agradable sorpresa al disponerse a endulzar un cafecito: sobrecitos con los rostros de los personajes del Siglo XX. Entre ellos, Mahatma Ghandi, Albert Einstein, Pablo Picasso, Jean Paul Sartre, Carlos Gardel, Julio Cortázar, Jorge Luis Borges, Elvis, y muchos otros. Revolviendo pelusas en los fondos de los cajones del escritorio, hoy nos encontramos con este personaje. Aclaramos desde ya que no está en venta, aunque no tenemos idea de cuánto pagaría por él un coleccionista de memorabilia (o de azúcar, quién sabe) ya que no creemos que este disponible en muchas partes del mundo. Es decir: todo es conversable.

Who made who?

En el Siglo XIX nacía Harpo Marx, el segundo en orden cronológico de los 5 hermanos Marx. Fué el 23 de Noviembre de 1888 en Nueva York. Un hombre que conservó su niño y lo mostró al mundo. Con una peluca anaranjada, vestido de modo más que informal se las arregló siempre (y sin decir una sola palabra) para hacernos reír y pensar.

Cuentan los que tuvieron la fortuna de conocerlo que era aún mas encantador fuera de su personaje, lo cual nos cuesta creer.

Nuestra admiración profunda para el actor, el músico y el niño.
Y un fragmento de la película "Un día en las carreras" del año 1937, (sí, Queen tomó un par de títulos prestados para sus discos!).
En ella van a ver en principio a su hermano mayor Chico tocando el piano, luego Harpo entreteniendo a la gente con una versión de Rachmaninov y después....... véanlo. Algunos años más tarde algunos músicos hicieron cosas similares, los recuerdan?

In memoriam

GEORGE HARRISON
25 de Febrero de 1943 -29 de Noviembre de 2001

Una que sepamos todos

Estas situaciones en los conciertos son realmente maravillosas. El público toma la posta y canta esa canción que es un himno (al menos para los que estamos allí).
En este caso, cantante y tecladista se van y dejan hacer. Y el virtuosismo de Steve Rothery (Marillion), acompaña en la viola eléctrica.
Steve festejó su cumpleaños número 50 el día 25 de este mes. Y la Salamandra lo festeja así.

The Best of The Beatles

Peter Randolph Best nació en Madrás, India, el 24 de Noviembre de 1942. Pocos años después (1945), su familia regresa a Inglaterra. Una infancia normal y una adolescencia comunes a cualquiera de los chicos de Liverpool de aquella época que transcurrieron primero en una casa de la calle CAsey y luego en una amplia casa en el númeo 8 de Haymans Greens. Hasta que su madre, Mona, convirtió Haymand Greens en un club: el Casbah. Muy pronto una banda se convirtió en estable del local: eran The Quarry Men y era Agosto de 1959. Mona le había comprado a su hijo un set de batería con el que Pete comenzó a tocar en The Blackjacks. Entretanto, The Quarry Men pasaron a llamarse The Silver Beatles integrados por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Stuart Sutcliffe y Tommy Moore. Tommy era el baterista, pero pronto dejó la banda. El grupo comenzaba a tener una moderada reputación en base a un repertorio de rock'n'roll clásico (con temas de Chuck Berry o Carl Perkins) y se les era imprescindible un baterista estable, mucho más cuando un promotor local les consiguió una temporada de trabajo en Hamburgo. Ya en el Casbah habían notado a Pete y su batería y asñi fue que una tarde Paul McCartney llama por teléfono a Pete y simplemente le pregunta. "¿Te gustaría venir a Hamburgo con The Beatles?" Y allí marcharon los cinco, incorporando en forma oficial a Pete Best en la batería y (a pesar de sus escasas dotes) a Stu Sutcliffe en el bajo, y tres guitarristas: John Lennon, Paul McCartney y George Harrison. Era el comienzo de la historia de la banda más grande del rock, y Pete Best estaba ahí.

A day in the life

Hoy se celebra mundialmente el Día de la Música, una especie de convención afortunadamente transgredida día tras día, porque es inconcebible un día sin música. Aunque no la escuchemos. O no nos demos cuenta de que está. Nuestro ritmo interno, nuestros corazones latiendo, nuestro ritmo respiratorio, nuestra cadencia al caminar son música; producen (valga la reiteración) ritmo. Ha sido así desde el comienzo, e incluso antes de que hubiera hombres sobre la tierra, porque lo mismo podemos decir de los animales (muchos de ellos produciendo verdadera música, como las ballenas o los pájaros). La cuestión es que el hombre encontró la forma de darle sentido a ese ritmo mecánico que su cuerpo produce naturalmente, y se dió cuenta de que podía establecer comunicación con sus semejantes, utilizando su cuerpo, su voz, como medio, elevándola cuando la distancia con los otros lo requiriese. Y así llegó el momento en que la distancia superaba la capacidad de la voz y descubrió que golpeando troncos de árboles (por ejemplo) podía proyectar el sonido más lejos de lo que podía con la voz. Y también descubrió que según la caracteristicas de los troncos, podía obtener diferentes tonos en el sonido. Y es inevitable pensar que también descubrió que podía utilizar esto para otras funciones, hablarle a sus dioses o declarar su amor. Y al perfeccionar y diferenciar estos métodos y crecer sus necesidades de expresión, comenzó a darle identidad a su tribu y a necesitar más elementos para expresar esa identidad. Y así (expresado en forma simple) debe haber ideado nuevos elementos con los que hacer música, dando paso a los instrumentos y a la combinación de distintos sonidos, ya que la teoría moderna nos dice precisamente eso: la música es el arte de combinar los sonidos de acuerdo a reglas establecidas (o afortunadamente no tanto y sigue siendo arte). Y es curioso ver que todo este razonamiento nos muestra que las "tribus", a través de las épocas y los lugares, seguimos manifestando identidades y preferencias con las diferentes tendencias musicales, es decir que la música sigue siendo, de una u otra forma, fundamental en nuestras vidas y parte indivisible.
En el Día de la Música nuestro tributo a todos los que la hacen y los que la aman, sean o no músicos, a los que la estudian y a los que simplemente la sienten, a los que viven de ella y a los que le dan vida, y principalmente a todos aquellos que, en algún rinconcito del planeta, se sientan sin público y sin testigos, a golpear rítmicamente un tronco hueco, porque de alguien como ellos, nació todo.

Blues before sunrise

Anoche, 20 de Noviembre, tuvo lugar en el Teatro Premier el primer show de JAF y Don Vilanova (el artista anteriormente conocido como Botafogo). Un show en el que el invitado especial fue el blues, al que se le rindió tributo de alta calidad por parte de estos dos músicos de extensa trayectoria. Acompañados por una banda de lujo, con nada menos que Ciro Fogliatta (figura fundacional del rock nacional) en teclados, Luciano Scalera en batería, Rafael Pravettoni en bajo y Franco Capriatti en armónica (más la incorporación en algunos temas de Beto Toppini y Pablo Santos en bajo ), recorrieron clásicos del blues tanto local como internacional, desde "Hoochie Coochie Man" hasta "El tren de las 16" (de Pappo), y temas de sus últimos discos ("Adiós Botafogo: Bienvenido Don Vilanova" y "Supercharger"), más algunas sorpresas, como una muy original versión de "Imagine" de John Lennon a cargo de Vilanova y su "escopetarra", el mismo Vilanova en un "Desconfío" en solitario con su acústica sobre una base de blues del Mississippi, y JAF y su hermosa e intacta voz en un emotivo "a capella" antes del bis. Como si todo fuera poco, Ciro Fogliatta entregó, solo con su teclado, un tributo al blues tradicional. Además, un desempeño brillante de Franco Capriatti en armónica le dieron a este show un marco perfecto en el que el blues nunca dejó de ser la estrella.
Momentos destacados: una inolvidable versión de "Little Red Rooster" (con JAF y sus estrofas en inglés y Vilanova con las suyas en castellano) , la poderosísima apertura del show con "Good Golly Miss Molly", y la explicación de Vilanova sobre la escala pentatónica del blues en íntima charla con la gente.
También se presentó Virginia Ferreyra (hija de JAF) para cantar "Johnny B. Goode" junto a su padre.

Sólo un detalle: como suele suceder en muchos shows, se evidenciaron algunos problemas de sonido al comienzo, y durante todo el concierto el volumen en algunos instrumentos y micrófonos fue desproporcionado para una sala de las dimensiones del Teatro Premier.

En definitiva, un show en el que nada faltó y sí sobró entrega, talento y una alegría que los músicos prodigaron sobre el escenario y contagiaron a la audiencia, sin golpes bajos y con carisma.

American Idol

Scot tenía 19 años, era norteamericano y fana de los Who. El 20 de Noviembre de 1973, él y un amigo no podían perderse de ningún modo la actuación que el grupo iba a dar en el Cow Palace de San Francisco, ciudad a la que Scot se había mudado a estudiar.
Después de más de 10 horas pudieron entrar al recital y ubicarse cerca del escenario.
Casualidad o no, Keith Moon ese día había ingerido una dosis considerable de tranquilizantes y alcohol, lo cual hizo que colapsara más de una vez mientras el show se llevaba a cabo.

Sin baterista entonces, es Pete Townshend quien se dirige a la audiencia y pide un reemplazo para Keith. Y sí, Scot sube y toca con ellos.

En el video, la prueba. Van a ver la actuación de los Who interrumpida en un par de oportunidades, hasta que aproximadamente a partir de los 5 minutos Townshend pide un baterista. A partir de ahí no se lo pierdan (cierre de show incluído).

Nuestro héroe, a esta altura, tocó 3 temas con los Who y comentó luego que quedó exhausto......
El sueño de un montón (nos incluímos, of course) había terminado.
A ver, con qué grupo ó solista les gustaría vivir algo similar? Sueñen, imaginen. De eso se trata, aunque nunca nos suceda. Si lo pensamos, ya está.
También queremos comentarles que, desafortunadamente, Scot falleció en 2008.
La Salamandra les quería mostrar lo que supimos contarles en nuestro programa de radio. Esas anécdotas que nos parecen imposibles y que, gracias a la tecnología, podemos ver una y otra vez.

God is a concept

Estamos leyendo este libro: Eric Clapton, la autobiografía. Nos interesa siempre saber qué opinan nuestros admirados de ellos mismos, cómo ha sido su vida, qué quieren contarnos y qué prefieren callar, porque, ante tanta opinión dando vuelta, las autobiografías hablan más que todas las voces. Lo leemos y lo escuchamos, y es un placer.
También nos interesa saber qué opinan otros de él: Ustedes, nosotros.

Con Ric, como le decían de chico, inauguramos esta etiqueta en nuestro blog.
Ya les contaremos qué nos ha parecido, y como no podemos con nuestro genio, le contamos el final (del libro) : "....la música sobrevive a todo, y como Dios, siempre está presente en al mundo. No necesita ayuda y nada la estorba. Siempre me ha encontrado, y con la bendición y el permiso del Señor, siempre lo hara."

Que así sea!

Getting better

Si encontramos diversión en las cosas que hacemos, el comportamiento de todos puede cambiar, y con eso, el mundo también mejoraría.
Así de simple. Y de impracticable, dirán otros. Bueno, al menos démosle una chance. Probemos.
Este es el concepto de Thefuntheory, una movida sueca promovida por una automotriz.
Les damos un ejemplo aquí y, como no podía ser de otra manera, la música tiene mucho que ver. Tal vez, ya estén al tanto. Anyway, no está mal divertirnos una vez más.
Gracias nuevedoce!

Get back

El martes próximo, 17 de Noviembre, se editan en dos presentaciones diferentes, las actuaciones de Paul McCartney en el mes de julio pasado en el Citi Field de New York, que es por llamarlo así, el reemplazo edilicio del emblemático Shea Stadium.
Más de 40 años pasaron desde que los Beatles tocaron allí por última vez. Los Beatles se presentaron en el viejo Shea en 1965 y en 1966, con una respuesta de público increíble, e hicieron de esos eventos dos hechos culturales para toda una generación y más.

Recordemos que la última actuación del grupo ante una audiencia fue el 29 de Agosto de 1966. Esto hace que la actuación del Shea de 1966, ocurrida algunos días antes, agigante su recuerdo.

El único tema que se escuchó tanto en el Shea del 65 como en el Citi del 2009 fue "I'm down" (recordemos a un John entusiasta tocando los teclados con los codos!)

La Salamandra quiere compartir hoy uno de los temas de este próximo lanzamiento: Highway.

A propósito, en un reportaje Paul declaró que la gran ventaja de esta actuación es que esta vez lo pudieron escuchar :-)

Same old blues

En el año 1993 nuestro país recibía la visita de músicos de excepción: Paul McCartney, Peter Gabriel, B.B.King, Emerson Lake & Palmer, Jethro Tull, Michael Jackson y Metallica, entre otros presentaban sus shows y nos sentíamos como cuando éramos chicos, o no tanto, el dia de Reyes.

Hoy queremos recordar a uno de estos artistas, que fuimos a ver al teatro Gran Rex.

Es Buddy Guy, que desplegó su virtuosismo y simpatía en un show difícil de olvidar. Con su guitarra a lunares, Buddy se encargó esa noche de recordarnos una de las razones de la existencia.

La entrada al espectáculo, cortada a los apurones y algo arrugada, por cierto, forma parte de nuestras pequeñas cosas (como dice otro grande). Esta es la entrada:

Y ahora escuchen este tema. Se llama "She´s a superstar" y es el que abre el álbum Feels like rain editado el año de su visita a la Argentina.

La letra y la música le pertenecen. Y nosotros, nosotros también.

El Padrino del Grunge

Neil Young nació en Toronto, Canadá, el 12 de Noviembre de 1945. Sus padres eran periodistas y melómanos, y Neil creció con esa influencia. Cuando sus padres se divorciaron tenía 14 años, y se trasladó con su madre a Winninpeg. Por supuesto, a esa edad le interesaba más la guitarra que los estudios y formó varios grupos juveniles en los que versionaba a Beatles, Shadows y Elvis animando fiestas escolares. Neil fue creciendo y haciéndose famosos en Canadá con un grupo llamado The Mynah Birds, pero al poco tiempo la banda enfrentó problemas legales y Neil emigró a California. En Los Angeles se encontró con sus amigos Stephen Stills y Richie Furay con quienes formó Buffalo Springfield. Tres discos estupendos de la banda mostraron que eran pioneros en folk-rock y country-rock, pero conflictos internos que no siempre terminaban pacíficamente llevaron a la disolución de Buffalo Springfield y al comienzo de la carrera de Neil como solista, editando para el sello Reprise "Neil Young" en 1969. Ya evidenciaba un eclecticismo tanto en letras como en melodías que harían de él uno de los más poderosos, versátiles y prolíficos músicos contemporáneos. Cuando su antiguo amigo Stephen forma "Crosby Stills & Nash" resultó inevitable que en algún momento volvieran a cruzarse musicalmente agregando su nombre al del trío para la edición del estupendo "Deja Vu" de 1970. Con CSN actuaría en muchas ocasiones, grabando además varios discos aunque, tal la caracterítica del grupo, nunca nada fue definitivo y permanente, y la carrera de este gran músico ha superado ya la treintena de trabajos editados en solitario además de los editados junto a sus compañeros de ruta y los de su eterna banda "Crazy Horse". Su influencia ha abarcado más de una generación, y su estilo muchas veces explosivo (que contrasta con sus suaves baladas) ha hecho que grupos como Nirvana o Pearl Jam lo catalogaran como "El Padrino del Grunge".

Entre sus discos destacan (sin ser excluyentes) "After the gold rush" (1970), "Harvest" (1972), "Rust never sleeps" (1979), "Everybody's Rockin'" (1983), "This Note's for you" (1988), el "Unplugged" (1993), "Ragged Glory" (1990), o "Living with war" de 2006.

Este cantante con una voz desangelada, destemplada, casi triste, es capaz de transitar por tranquilas baladas como por furiosos rocks con soltura, desgranando siempre letras que hablan sobre las relaciones entre las personas o las injusticias de la sociedad y el mundo. Detrás de todas hay, casi siempre una gran melancolía.
En 2005, Neil Young debió ser operado de un aneurisma cerebral, tras lo que volvió a los escenarios y estudios para seguir trabajando. Es además un permanente contribuyente a causas benéficas y solidarias.

Un artista de una trayectoria tan extensa y significativa que es imposible abarcar en estas pocas líneas, y una obra que es imprescindible investigar.

Thick as a brick

Cada vez que un derecho se vulnera, se agrega un ladrillo;
Cuando una voz se silencia, se agrega un ladrillo;
Si la violencia sigue siendo la razón, se agrega un ladrillo;
Si el hambre sigue alcanzando a muchos, se agrega un ladrillo;
Si el conocimiento es sólo para unos pocos, se agrega un ladrillo;
Cuando la identidad se desdibuja, se agrega un ladrillo;
Cuando se usa la censura, se agrega un ladrillo;
Si el pensamiento es delito, se agrega un ladrillo;
Donde no hay justicia, se agrega un ladrillo;
Cuando igualdad es solamente una palabra, se agrega un ladrillo;
Si expresarse significa arriesgarse, se agrega un ladrillo;
Cuando la libertad triunfa, se derrumban los muros.

Detrás de las paredes

Completamente solos o en parejas,

los que realmente te quieren,

van y vienen por fuera del muro.

Algunos tomados de la mano

otros reunidos en grupos,

los románticos y los artistas

se hacen fuertes.

Y cuando se han entregado por completo

algunos tambalean, y caen.

Es que después de todo no es tan fácil

estrellar tu corazón contra la pared de un maldito loco.

She's a woman

Feliz cumple, Joni! (Canadá, 7 de Noviembre de 1943)

Alejandro "El Negro" Medina

Alejandro Medina nació en la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de Almagro, el 1º de Noviembre de 1949. Fue uno de los integrantes de un grupo pionero, que allá por el año 1965 se juntaba en La Cueva, el Instituto Di Tella y Plaza Francia. Un par de bandas de esa época, The Seasons y The Beatniks contaban entre sus miembros a Alejandro Medina en bajo y a Javier Martínez en batería respectivamente. Más adelante, en 1968, ambos, junto a Claudio Gabis en guitarra formarían Manal, una de las bandas fundacionales del rock nacional y la que tuvo a su cargo la responsabilidad de tocar blues en español. Además era un blues diferente, al que algunos (y tal vez con razón) llamaron blues urbano, con temáticas que mostraban la problématica de una ciudad ya por entonces alienada: qué hacer con el tiempo, con el paisaje desolado, con la frustración de vivir de una manera que no se quiere y sin rumbo fijo; también hablaban de la soledad, de la tristeza y de la hipocresía. Manal acuñó unos cuantos clásicos que dejaron una indeleble marca en el imaginario popular: "No pibe", "Jugo de tomate", "Avenida Rivadavia", "Una casa con diez pinos", "Avellaneda Blues". Tras un breve pero fructífero período, Manal se separa y el Negro Medina integra La pesada del Rock and Roll, Aeroblues, El Ensamble Musical de Buenos Aires, y se anotó y organizó cuanta zapada tuvo lugar en Buenos Aires para tocar blues. Aún hoy, incansable, Medina sigue desparramando blues con su bajo y su aguardentosa voz por la ciudad, transitando por asfaltos mojados, avenidas desiertas y amaneceres grises.

Primera Visita

Se cumplieron 16 años de la primera visita al país de Jethro Tull. Tal vez lo esperamos demasiado tiempo, pero el día llegó y lo disfrutamos a pleno.
Afortunadamente Jethro nos visitó unas cuantas veces más y esperemos lo siga haciendo.
Talentos de esa talla son siempre bienvenidos.
La formación en aquel 1993 fue: Ian Anderson, Dave Pegg, Martin Barre, Andrew Giddings y Doanne Perry.
Y el Estadio todavía se llamaba como pueden ver en la entrada.

Masterpiece

En el año 1975, un día como hoy: 31 de Octubre, una obra musical (llamarla canción no nos parece apropiado), era editada.
Se llamó Bohemian Rhapsody, del grupo Queen. El formato era el del viejo y querido simple 33 1/3 RPM y terminó de desestructurar el concepto de composición formal o, mejor dicho, universalmente aceptada.
Freddie Mercury, su creador, desplegó todo su talento como compositor, haciendo que un tema de casi 6 minutos nos hiciera pasar por el cielo y el infierno. Nos hechizó, he hizo que, a 34 años de su edición, la recordemos como cuando nos quedamos toda una noche para aprendérnosla y cantarla y hacernos los coros y tocar la guitarra en el aire.
El tema fue parte del majestuoso "Una noche en la Opera" (diciembre de 1975).
Otra de las rarezas de Rapsodia era pensar cómo harían para ejecutarla en vivo, pero ése será tema para otra entrada.

God save the Queen!!

It was forty years ago today....

El Flaco Spinetta está cumpliendo cuarenta años de carrera. Fue en 1969 cuando editó su primer disco con Almendra, y de ahí en adelante su talento no ha parado de prodigarse: Pescado Rabioso, Invisible, Jade, Los Socios del Desierto y todo su trabajo solista conforman una obra inevitable a la hora de hablar de rock en la Argentina. Para que estos cuarenta años no pasen desapercibidos (algo que se está transformando en una constante en nuestro país con aquellas cosas de calidad), Luis Alberto Spinetta los festeja con un show en el Estadio de Velez Sarsfield el 4 de Diciembre. Allí van a estar (ojalá así sea) todos sus grupos reunidos con la presencia de sus compañeros de ruta: Emilio Del Guercio, Rodolfo García, Edelmiro Molinari, y los integrantes de todos sus bandas.
Hay que prepararse para ir......

Siéntate a ver el día
mira que gusto da, ver el rayo
justo donde empieza la avenida
Descálzate en el aire...para ir.
No lleves ni papeles;
hay tanta gloria allá,
que al final nadie tiene un sueño sin laureles.
Que tu cuerpo al menos esté limpio...para ir.
Córrete hasta el espacio,
quiero que sepan hoy,
qué color es el que robé cuando dormías.
Ya móntate en el rayo...para ir.

(Luis Alberto Spinetta - Para Ir - Almendra, 1970)

Black Magic Guitar

Peter Allen Greenbaum nació en Bethnal Green, Inglaterra, el 29 de Octubre de 1946 y ha tenido una de las vidas más curiosas en la historia del rock. Guitarrista como muchos de los chicos ingleses de aquellos años, comenzó a ganar reputación con el nombre de Peter Green cuando reemplazó a Eric Clapton en The Bluesbreakers (el grupo de John Mayall, el padre del blues inglés). En Julio de 1967, Mayall permitió que varios de los miembros de The Bluesbreakers utilizaran algunas horas de estudio de grabación que habían sobrado, y entonces Green, junto a John McVie y Mick Fleetwood aprovecharon ese tiempo para grabar temas propios. Entre Green y Fleetwood surgió una afinidad tal que comenzaron a formar ideas propias dentro de la banda, lo que les valió un inmediato despido por parte de Mayall, que no es un tipo de andar con medias tintas. Entonces Peter Green decide formar su propia banda de blues a la que llama (integrando a los otros miembros en el nombre) "Peter Green's Fleetwood Mac". Dada la efervescencia musical de aquellos años y la avidez de los jóvenes por el blues, la banda alcanzó notoriedad muy rápidamente. Después de "Albatross", los excesos de Peter con el LSD comenzaron a cobrarse su precio y el músico sufrió un cambio de personalidad radical. Empezó a vestirse con una túnica negra, su imagen era la de un profeta con larga barba negra y un enorme crucifijo colgando sobre su pecho (a pesar de ser judío). Durante una gira europea desapareció tres días en Munich y al regresar, según John McVie, era una persona completamente distinta. Relató que un ángel se le había aparecido con un niño desnutrido de Nigeria en brazos, y le dijo al grupo que a partir de ahí viajarían sólo con lo justo para poder actuar y que todos las ganancias que la banda obtuviera iban a ser donados a entidades benéficas. Obviamente nadie lo siguió en estas ideas y Peter Green abandona Fleetwood Mac en 1970. Grabó una sesión de la que salió su álbum solista "The End of the Game", tras lo cual los brotes esquizofrénicos recrudecieron. Vendió su Gibson Les Paul modelo 1959 a Gary Moore, y entró y salió de instituciones mentales, en donde fue tratado incluso con electroshocks debido a sus estados letárgicos. Hay una historia que cuenta que, aún a pesar de estar en esa condición, Peter Green seguía acumulando ganancias por las ventas de discos, y que en una ocasión un mensajero llegó a su casa para entregarle un cheque por estas regalías, y fue atacado por el músico con una escopeta, lo que le valió una de las más prolongadas internaciones. Hacia fines de los 70 resurgió de la mano de PVK Records donde grabó cinco discos, pero en 1984 sufrió una recaída que lo sacó nuevamente de circulación. Afortunadamente, para 1996 (!) la recuperación de Peter Green fue completa y formó el Splinter Group, con el que editó nuevos discos (siempre orientados firmemente hacia el blues) y aún hoy sigue presentándose en vivo. Un músico talentoso al que le debemos temas como "Black Magic Woman" popularizado por Carlos Santana, con quien ha compartido escenarios desde su recuperación.

En el video, Peter Green y el Splinter Group haciendo su tema Green Manalishi (que fue muy conocido por una versión de Judas Priest).

El Padre del Rock

Una vez dijo John Lennon: "Si alguna vez el rock'n'roll tuviera que cambiar de nombre, debería llamarse Chuck Berry". Así, con esta contundente y precisa descripción, John definió a Charles Edward Anderson Berry, nacido en St. Louis, estado de Missouri, el 18 de Octubre de 1926 (aunque algunas fuentes dicen que nació en San José, California). Creció escuchando blues, a Nat King Cole y a los músicos de Hillbilly. En 1948 formó su primera banda junto a Ebby Hardy en batería y Johnnie Johnson en piano: The Chuck Berry Trío. A mediados de la década del 50 el grupo tenía una gran repercusión en la comunidad negra, entre la que era admirado por haber trasladado elementos del country y el R&B a sus canciones, pero con un aire renovador, más festivo y contagioso. Cuando se traslada a Chicago concoce a Muddy Waters (corría 1955), y es el gran bluesman quien lo recomienda a Leonard Chess para su sello discográfico, ya que Muddy había escuchado una canción de Chuck que le parecía muy buena: "Maybellene". El tema se convirtió en un simple de tremendo éxito, con la particularidad de obtener el respaldo de la comunidad blanca, algo bastante inusual por aquellos años. Alan Freed, el famoso DJ, promociónó el disco, llevándolo a alcanzar el Nº 5 en las listas norteamericanas. Gracias a este éxito, Chuck comenzó a publicar regularmente en el sello Chess, editando en esa etapa sus temas que aún hoy son (y seguramente siempre serán) clásicos: "Roll over Beethoven", "Johnny B. Goode", Rock and Roll Music", "Carol", "School Day", Sweet Little Sexteen", "Memphis Tennesse", "Around and Around", " Come On" o "Too much Monkey Bussiness". Es sin dudas una lista impactante para un principiante, y la prueba es que muchos de estos temas fueron versionados por grupos como The Beatles o The Rolling Stones en los comienzos de sus carreras.

Pero la habilidad de Chuck para componer y tocar maravillosamente la guitarra rivalizaban fuertemente con su capacidad para meterse en líos con la ley y la justicia. Más de una vez Chuck pasó temporadas en la cárcel por motivos diversos: armas o chicas menores de edad lo llevaron a prisión por periódos de hasta dos años. En 1963, cuando salió de una de estas condenas, volvió a colocar éxitos en las listas con temas como "Nadine" gracias a un fuerte apoyo de los músicos de la llamada "Invasión Británica" que lo reivindicaron como su ídolo.

Algunos años después volvió a tener problemas legales, pero esta vez por impuestos. En 1979 fue a parar nuevamente a la carcel por este tema. De todas formas, el viejo Chuck siguió arreglándoselas para regalar su rock and roll una y otra vez (aún hasta hoy, con su avanzada edad), haciendo que cada una de sus presentaciones en vivo fuera un acontecimiento dentro de la escena musical.

Alguna vez hemos reflexionado acerca del ensañamiento que tuvo la justicia con Chuck, persiguiéndolo permanentemente por cuestiones nimias, logrando de esta manera que su liderazgo en el mundo musical no pudiera consolidarse y posibilitando que otras figuras fueran consideradas como "reyes" del rock. Hay que tener en cuenta que, siendo negro y desafiante en una sociedad que en la década del 50 todavía era profundamente racista, no era la mejor de las plataformas para que Berry fuera considerado como la figura que verdaderamente era. Sus explosivas performances en escena (con su famoso "paso de pato"), o sus encendidos riffs de guitarra y sus letras decididamente provocativas estuvieron mucho más allá que otras expresiones de aquellos años consideradas "transgresoras". En realidad, muchos de aquellos artistas fueron productos de marketing perfectamente estudiados para enamorar tanto a los jóvenes como a sus padres (como bien lo dijo Charly García en "Mientras miro las nuevas olas") con el único objetivo de vender discos. El viejo Chuck no; nunca entregó las banderas del rock and roll por más alto que haya sido el precio a pagar. No casualmente, lo verdaderos revolucionarios del mundo de la música lo siguieron a él. Por eso, más allá de reinados con tronos endebles, preferimos darle a Chuck Berry el título de "Padre del Rock and Roll".

(En el video Chuck Berry junto a Julian Lennon y Keith Richards)

Yes or not?

Justamente en la semana en que Jon Anderson está cumpliendo años (nació el 25 de Octubre de 1944) nos llega la noticia de que, finalmente, Chris Squire ha anunciado que el line-up está conformado por Steve Howe, Alan White, Chris Squire, Oliver Wakeman y Benoit David. El caso es que la larga ausencia de Jon Anderson desde hace cinco años no terminaba de definirse como definitiva. Hasta ahora la banda presentaba a Oliver Wakeman y Benoit David como "invitados", pero parece que las cosas se han vuelto formales ya que inlcuso se anuncia nuevo disco para el 2010, y todo indica que esta nueva formación será la que entre a estudios para grabar.

Jon está bastante dolido (dicen) con toda la situación, ya que en la página ofical del grupo figura entre los "alumni" (ex-miembros).

Tal vez sea shockeante para los fans de la banda, pero no hay que olvidar que a lo largo de la historia de Yes los cambios de integrantes han sido una constante, y Jon no ha sido la excepción. De todas formas, el nombre o marca "Yes", pertenece a Chris Squire. Un nuevo capítulo en esta trama de idas y venidas de Yes, que, como siempre, abrirá la polémica entre los seguidores de la extraordinaria banda que tanta buena música ha entregado (y esperemos que siga haciéndolo).

Un agradecimiento especial a "Shadowman", por la información.